Análisis Neptune de Holst

La obra "The Planets" de Gustav Holts ha sido sin duda una pieza clave en el desarrollo de la música de cine contemporánea. Cualquiera de sus 7 movimientos podrían ser fácilmente parte de la banda sonora de tu película favorita. Hay solo que escuchar el movimiento de Neptune y tratar de imaginar una escena de Guerra de las Galaxias para descubrir que ya conoces esta pieza de alguna manera u otra. El sonido y el estilo de Los Planetas de Holts con toda probabilidad ya es familiar para una gran cantidad de personas, incluso, personas ajenas al mundo de la música. Esto se debe a la gran influencia que ha tenido esta obra sobre los compositores modernos. Este movimiento de Neptune, último en la obra, se caracteriza por ser uno de los que llevo al máximo las posibilidades sonoras de los instrumentos de orquesta. Igual que en la literatura o en la pintura donde artistas van añadiendo herramientas de lenguaje para de alguna forma u otra expandir la capacidad expresiva, los compositores se han visto obligados a copiar los esquemas y formulas de "The Planets" para representar ciertos elementos narrativos que quizá la teoría musical tradicional no podía. Estos elementos sonoros fueron expresados por este compositor atraves del uso de inusuales combinaciones armónicas y novedosas desiciones en la instrumentación y orquestación, creando así paisajes sonoros que permiten al oyente experimentar un plano poco explorado por la tradición clásica. Esta obra desvela lo que alguien llamo “el espíritu de los instrumentos” este eufemismo aunque algo esotérico es a mi parecer lo que mejor describe lo logrado por este compositor. Su orquestación, progresiones armónicas y magnífico uso de las texturas despierta en quien lo escucha la percepción de otra dimensión en la música.

Neptune es el último movimiento de la obra y al contrario de las sinfonías de las época, este final no es un alegre ni rimbombante. Neptune el místico es una de las piezas mas estáticas y ambientales del repertorio musical clásico. Haciendo mucho más uso de texturas y orquestación que del desarrollo de temas musicales como había sugerido la tradición clásica desde el barroco. Esta decisión artística tuvo un motivo, representar de una forma profunda una situación psicológica ante lo espiritual o religioso, esta pieza como sabemos por escritos de Holst, trata de proyectar el enfrentamiento el hombre ante el misterio. Pero es este sonido precisamente el que muchos compositores de cine como John Williams & Alan Silvestri han utilizado para adornar escenas de ciencia ficción. En este articulo intentaré extraer algunos principios que Neptune aporto al lenguaje de música de cine, y que elementos se pueden utilizar apara apoyar el material narrativo en las imágenes.

Este análisis lo haremos bajo el esquema de Larue SHMRG las siglas en ingles para describir Sonido, Armonía, Melodía, Ritmo y Estructura. Bajo este esquema analítico intentare extraer algunas herramientas del compositor que ayudará tanto al músico que aspira a ampliar su lenguaje musical como al fanático de la música que busca entender el aporte de esta pieza al lenguaje artístico.

Estructura

Como ya mencioné Neptune es una de las piezas más estáticas de la obra. Holst utilizó para esta La forma Arco o Arch Form. Estructura que consta de A –B- C -(B-C). A lo largo de esta obra veremos como el compositor no se va por el camino del desarrollo si no que opto por el uso de la repetición de ciertas figuras. Ese elemento es uno de los que podemos extraer mucho ala hora de construir tensión y hacer que este sentimiento vaya en aumento.

En este ejemplo se puede observar la transición hacia la sección B. El compositor repitió la progresión inicial de Em - G#m y a lo largo de 6 compases y su desarrollo fue una introducción sucecesiva en la sección de cuerdas, creando un efecto efecto de crechendo hacia la sección B.

Concepto : Crear largos pasajes musicales usando un solo germen musical añadir elementos en cada pasaje para aumentar la tension o intensidad en el sentimiento que se quiera proyectar.

Armonía

Para entender los planetas es de suma importancia hecharle un vistazo al contenido mitológico de cada símbolo astrológico. En el aspecto armónico, el compositor trata de expresar el enfrentamiento del hombre ante lo desconocido lo sagrado o lo misterioso. Esto lo hace usando un esquema bitonal Em-Abm. El cual utiliza en forma progresiones y combinando ambos acordes paralelamente, es decir haciendo acordes en bloque. Lo genial de la música de Holts es que crea espacios amplios de interpretación. Por ejemplo en la sección A de la pieza, se utilizan progresiones a 2 tonos de distancia conectados por una nota. Ahora este tipo de secuencias, no comunes dentro de la tradición clásica, nos sirve para representar un sentimiento conocido a los seres humanos, el enfrentamiento a un misterio. En otras palabras, un nuevo plano se nos presenta y nos es desconocido, el primer impulso es tener un sentimiento de desvinculación por que se nos es dificil mantener esa experiencia. O simplemente huimos del ambiente nuevo o misterioso. Ya aquí es obvio darse cuenta del lenguaje subjetivo de la pieza. Esa nota común puede representar la base consiente en la que estamos siempre, sin embargo los cambios entre estos acordes aumenta representando una desestabilidad en el camino a entender este nuevo plano representando el sueño, estados alterados de consiencia o incluso noticias desconcertantes. Es por eso que es común escuchar esta bitonalidad en momentos previos a una novedad cinematográfica, pues resulta muy util ala hora del descubrimiento de un planeta, recibimiento de una noticia sorpresiva, o el proceso del descubrimiento de una mentira.

Concepto: Utilizar progresiones bitonales para crear la sensación de enfrentamiento y lejanía.